AliAreaArt

AliAreaArt” is a term coined by combining “Alien,” “Area,” and “Art. It generally corresponds to an installation, but also includes spatial extensions that include the metaverse (virtual space) of the XR era in its scope.

“AliAreaArt”は、「エイリアン」(Alien)、「エリア」(Area)、「アート」(Art)の要素を含んだ造語でおり、一般的にインスタレーションと同等の意味ですが、XR時代のメタバース(バーチャルスペース)も範囲に入れた空間拡張的な意味を含んでいます。

2023,11,16 BAR印度洋_琵琶とモーキャプパフォーマンス

先日秋葉原用に用意していたシステムがやっと公開できました。次回は12月のスタジオイマイチ16周年でも上演します。一楽儀光それから、BAR印度洋のマスター、会場にご足労いただいた皆々様ありがとうございました。

イベント名: 妖精ドラびでお西日本ツアー
会場: BAR印度洋(山口県防府市)
仕様テキスト: 弓流し
システム: Ableton Live 11, motion device WAVE, Looper-Dittox4, Sony MOCOPI
モーションキャプチャープログラム: 中上淳二

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【琵琶少年】15歳の衝撃、20年の封印、そして新境地へ

15歳で薩摩琵琶を始め、高校時代は映画のようなスペクタクルな琵琶の語りに惹かれ、ノイズ音楽の大会にも出場。社会人になると演奏の機会がなくなり、20年間封印されていたが、2023年に台湾のアートプロジェクトに参加したことをきっかけに、琵琶とダンスを融合した新たなパフォーマンスに挑戦している。

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XR content “ニュー花笠音頭”

「屋根のない美術館」は山形ビエンナーレ2022の一環で、大手門通りすずらん商店街が舞台。商店街の変遷や共同性を探り、柔軟なアーティストが街の風景を創りだす。光とアートが融合し、ポストコロナの街の未来を探る実験的な試み。屋根のない美術館で開催された「ニュー花笠音頭」はXR技術を駆使したパフォーマンスで、スマートフォンを通じて仮想空間をマッピングして視聴できるとのこと。このユニークなアプローチにより、参加者はスマートフォンを通して商店街の夜景に映し出されるデジタルな花笠音頭を楽しむことができます。
9月10日、18:00−21:30、山形市Bすずらん通り
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“Connected Dreams” 接続された夢 360-degree video

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この作品では、ビエンナーレに合わせて山形をめぐり、360度カメラで収録したVR作品である。3つの映像は3つの夢に見立ててつくられた。
接続のしやすさを考え、鑑賞する人々のそれぞれのブラウザーで再生できる環境を選んだ。360度映像での制作意図は、鑑賞者が能動的に映像を探索でき、またインターネットに繋がれた世界を表現したかった。スマートフォンでの鑑賞を勧める。

To facilitate connections, the artist selected environments conducive to replication in the viewer’s browser. The panoramic, 360°format encourages the viewer to proactively explore the video works, as well as the evolving nature of our internet-connected world.
To that end, the artist suggests using a smartphone for an optimal experience of the work.

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VR-content “The Other in You” わたしの中の他者

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コンセプト、ディレクション、機構設計:大脇理智(YCAM InterLab)
共同開発:YCAM InterLab
ダンス: 辻本智彦
音楽・サウンドデザイン:内橋和久
ビジュアル・プログラミング、システム・ディレクション:比嘉了Concept / Directed by Richi Owaki (YCAM InterLab)
Co-developed with YCAM
InterLabDance: Tomohiko Tsujimoto
Music /Sound Design: Kazuhisa Uchihashi
Visual Programming / System Direction: Satoru Higa

新しいコンテンポラリーダンス鑑賞法を提案する作品。先端CG、触覚センサー、17チャンネル音響、VR技術を融合し、未体験のダンス体験を実現。従来の劇場体験からの脱却で、VRが一人称視点への移行を促し、鑑賞者をスポットライトの下に引き出す。視聴者の身体はデプスカメラで3D再現され、VRの視点移動と触覚情報により新しいボディーイメージを鑑賞者が体験。触覚情報は共感覚として取り入れられ、白い球体のインターフェイスに触れることで躍動感を感じる。VR技術の進展に伴い、観客は自身の心のバランスが揺れ動く体験をする。アーティストはHoudiniやTouchDesignerなどを使い、VRのプラットフォーム制約に挑戦。

This work, developed as a new way to experience contemporary dance, has realized a new dance audience experience for the first time. We assembled the cutting edge Computer Graphics, haptic sensors which directly express the dance to the body, 17 stereophony channels and research on Virtual Reality techniques to realize this work.

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“assemblage” ver.0.2

Film installation:
5min | 1080 30p | SonyHDR-TD10(1080p-3D)
Shooting and editing: Richi Owaki
Performance: RIchi Owaki
Exhibition:
2015 | Association Culturelle Franco-Japonaise de TENRI / Paris. France

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この作品は彫刻の問題をダンスの視点から再考察しようとする習作である。
なぜ近年彫刻家はインスタレーションと呼ばれる形態にまるで職場を譲ったかのごとく、王道から退き姿を隠したのだろうか?
彫刻が抽象的な対象を主題として扱いだしたのはつい最近の100年の話で、人類は常に人間について考察してきた。
その本質はボリュームをどうのよに感じ取りそれを物質化することに他ならない、この長年の考察は忘れ去られたかのうように見える。
私はこの問題をパフォーマンスの問題として再考察し、実際に自分の方法で試してみた。
特にロダンの提案するアッサンブラージュの試みである。
映画ではカメラや、カメラマンの自身の身体性がカメラに記憶されないように、細心の注意を払う。
これは映像言語の問題で、カメラやカメラマンの身体性が記録されてしまうと主観的な意味が強くなるため、あくまで客観性を担保するために、撮影というプロセスと見る側に感じさせないように撮影される。
この作品ではこれまでの客観視を中心とした映像言語を排除するために、常にカメラは動き回り、また奥行きをや重力もかき消すために、背景は黒く、床に鏡を貼り、自撮り棒で撮影され、そしてボリューム感を作るために3Dカメラで撮影された。

This work examines sculpture issues from a dance perspective.

Why has sculpture hidden itself from the high road to installation forms, as if the installations have taken over the sculpture work places…

Sculpture has only had abstract themes for the last 100 years. Humans have focused on thinking about human beings: how to perceive and materialize the volume. We seem to have forgotten this long-term discussion.

I have re-approached this issue from a performance point of view with my movie shooting techniques.

The assemblage technique that Rodin had approached was to create each of the body parts individually, assemble them together and finally create one statue with all the parts together.

In shooting movies, we pay considerable attention to avoid having the camera or crew captured in the movie. This preserves objectivity in the movie; if the camera or crew is captured, the movies gain subjectivity; this is a matter of movie language.

In this work, we shot everything by moving the camera around, to displace the existing movie language. We also painted the background black, set mirrors on the wall and shot with a selfie stick to eliminate depth and gravity. In addition, we used a 3D camera to create volume, which is an important issue for the sculpture.

The object of this work is to reconstruct and illuminate the separated body parts into one body image.

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Installation (Open Studio) / Performance
Construction: Richi Owaki, Ryuichi Tani
Cooperation: Kyoko Ifuku
Artist residence in Studio IMAICHI, Studio IMAICHI (Yamaguchi JP 2014)

A work with Ryuichi Tani in a one-month open cooperative project and exhibition.
Memory has different faces ranging from working memory, which is short-term memory, to various memory levels. I assumed that conscious has different faces too. We experimented to schematize the relationship between consciousness and instinct.
劇作家の谷竜一との共同公開制作と展示を約1ヶ月にわたり行った。記憶には、ワーキングメモリー(短期記憶)を始め様々な段階があることが知られているが、意識にも深度や段階があるのではないかと考えた。この制作ではこの点に注目した。

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“ひきだされたなげだし” Hikidasareta-Nagedasi

Film:
Construction: Richi Owaki
Performance: Richi Owaki, Kyoko Ifuku
Music: Akihiro Miwa
Cooperation: Ryuichi Tani, Yosuke Nakamura
7min | 1920x1080pixel 30p
Year of production: 2013

Festival International de Vidéo Danse de Bourgogne entry (Bourgogne FR 2013)
*only ENTRY
YCAM10th “Film Competition for imaginary Film Music” entry (Yamaguchi JP 2013)

ひきだされたなげだし Hikidasareta-Nagedasi from richiowaki on Vimeo.


普段私たちは日常というコンテクストに縛られて行動しているが、とっさの判断が必要な事態などでは、直感にたよらざる得ない場合に直面する。その時の行動の選択はどの様になされているだろうか?その様な疑問をイメージで表現した。
この作品ははじめ男女が晴れた空き地で尻取りゲームのようにイメージを投げ合う、次に空き地は夜になり女が闇にダーツを投げると何やらイメージに突き刺さる。
イメージを投げ合うことによる交換、何かのイメージに意識という針が突き刺さるといった感覚が私の中には以前からあった。この作品はこれら直感のイメージを映像化した。

“skinslides” ver.1.4

PDF File (1.9M)

Construction: Richi Owaki
Performance: Alessio Silvestrin
Sound: Otomo Yoshihide
Programming: Satoshi Hama (YCAM InterLab),
Technical support: YCAM InterLab

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Conceived as an “interface for a permanent preservation of the dancer’s movements,” this video dance piece is based on the novel idea of producing images and sound first, and subsequently programming a data-choreography out of the single elements.
Three displays are embedded in the venue’s floor, while sensors detect the visitor’s movements. The displays show vivid projections of the contact points with the floor of an improvising dancer, and by moving around in the exhibition space, the visitor adds an element of chance to the generated sequences of footage on the displays. (All the sequences are consisted by five parts of scenes, which includes 55 footages.)The soundtrack is composed of the sounds of the body movements and of their contacts with the floor, and music performed by Otomo Yoshihide based on footage of body movements.


About the system This work consists of three projected images, and an additional one that the computer program calculates with. The three connected images are displayed in the form of projections and sounds in the exhibition space, while the fourth is available as a sound channel only in the adjacent patios on both sides of the exhibition space. Here the visitor can try and imagine the fourth, non- visualized image while listening to the soundtrack. Further, the sequences of images and sounds on each display follow rules based on Fibonacci numbers, and are at once determined by the dancers movements, sounds, and other uncertain data for the sake of variety and diversity.
(A special set was built for the works visual components, which were ゙lmed in hi-vision in order to visualize the dancers subtle movements and gravity on the floor.)
Systems and software used for the development/production: openFrameworks, Processing, MAX/MSP.

顕微鏡のプレパラートスライドを思わせる3枚のスクリーンは「ダンサーを永久保存するためのインターフェイス」として考案された新しいダンス映像インスタレーションです。
作品は大きく5つのシーンに分かれており、部屋内の観客をセンサーが感知し、次のシーンへと移行します。映像は55のショット用意されており、展開時に毎回異なる映像と音が選択され、自動的にダンスの振付けを生成します。ここでのダンスの振付け(コレオグラフ)とは、一方で、限られた長方面上での、身体の位置や重力に対しての変容の追究があり、他方で、それがシークエンスとして3面化されることで、さらに複数の映像の関係構築がおこなわれる、2重の意味を持っています。

映像撮影はt15mmx1.8mx0.9m(畳サイズ)の透明アクリル下からダンサーの影をハイビジョンで撮影され、いわゆる劇場の舞台では観る事ができないダンサーの細かい筋肉の動きや息づかいを観る事ができます。
本作は3画面のプロジェクションで構成されていますが、コンピュータプログラム上は、多様性を持たせるために、4画面で演算されています。鑑賞できない4番目のスクリーンを作る事で、3という安定した構造を崩し、見えない連動感や予想できない沈黙を作り出しています。さらに、フィボナッチ数列を応用し、カットとカットの間をつなぐブランクと、映像内にもうけられたフリーズポイントでの継続時間にそれが適応されています。各映像は元フランクフルトバレエ団のアレッシオ・シルヴェストリンによって振付け/パフォーマンスされ、サウンドは、ダンサーの動きや床との接触音、および身体表現の映像をもとに大友良英が演奏した音から構成されています。20分程で全シーンを見ることができます。
コンピュータ制御プログラムは、openFrameworks, Processing,MAX/MSPによって書かれています。


skinslides refer to Shozenji Temple as a model.
Shozenji Temple: Opened by Funei Gottan in 1286 in Kyoto. The temple is famous for its Zen gardens, which are Japanese rock gardens (karesansui) created by Enshu Kobori (1579-1647), and Chitenjo (bloody ceiling).

Karesansui: Karesansui is usually created by white sand and white stones, but this garden has evergreen azaleas in the white sand. The garden design uses 7:5:3 ratios, particularly with the plants. Watching carefully how the plants grow and keeping them in the 7:5:3 ratio gently guides them, protecting the groups of plants. Cutting the branches and keeping the groups in order allows them to grow.
The skinslides program follows this particular ratio like the garden, slowly changing its form.

Chitenjo: In 1600, war raged across Japan and Mototada Torii and his garrison died defending Fushimi Castle, most of them suicidally attacking the enemy. After almost all of his men died fighting, Torii committed suicide with the remaining men rather than be captured alive. The blood of the faces, legs and hands of Torii and his men stained the wooden floor and would not wash off. After Torii’s defeat, the wooden floor was dismantled for use in other buildings as was typical then. Over 20 years later, the boards were used in Shodenji temple’s ceiling to commemorate the dead.

The shadow of the dead on the floor goes beyond documenting history, creating a different level. Putting the floor where the ceiling is means that observers have to look up at the ceiling in order to watch, changing gravity and causing a unique feeling from looking up.
skinslides are inspired by this flipped space of the Chitenjo.

血天井: 慶長5年関ヶ原の戦いの直前、徳川の忠臣・鳥居元忠以下数百名が豊臣の大軍と戦い伏見城中で自刃。 その血痕や顔や鎧のあとが縁側の板に染み付き、いくら拭いても洗っても落ちなくなった。そこで、縁側からその板を外し、供養のため寺に移した際に、足で踏む床板にしては供養にならないからと、天井にして手厚く供養しているものがいわゆる「血天井」として京都各地に今も残っている。 (写真:京都/正伝寺)
床へ落とされた死者の影は、床から天井へ再インストールされる事で別の次元へとシフトしています。そこには自刀時の運動が定着/保存されています。そこにはリアルな気配といった行為が感じられます。


Francis Bacon: skinslides represent theater expression through movie skills while still remaining as artwork. Francis Bacon (1909-1992), who greatly influenced contemporary art after World War II, is famous for his expression of human fear: fear of violence, fear of loss, and fear of being human. His paintings are primarily formed by three frame sets, and we can analyze those three by constructions, forms, and shapes, or force, rhythm, and time.
In skinslides, we have three screens with intervals of 0.9 m of space between them, helping the audience to imagine the performance in the blank space. This practice came from Bacon’s painting where he expanded space through using space and emphasized the shapes of motion. In addition, the wall painted orange around the skinslides pays homage to Bacon.

フランシス・ベーコン: skinslidesでは舞台表現を映像技術で再現しようとする一方で、美術の立ち位置を譲りません。
第二次世界大戦後、現代美術に多大な影響を与えた画家であるフランシス・ベーコン(Francis Bacon, 1909-1992)は、人間存在の根本にある不安を描き出した作品でよく知られています。ベーコンの絵画の多くは3枚1組となっており、そこには構造・形体・輪郭、あるいは力・リズム・時間といった考読を可能としています。 また、机やワイヤーフレームが登場し肉体をトリミングします。
skinslidesでは3枚のスクリーンの間に0.9mの余白が用意されており、スクリーンを切断し、ブランクを用意する事で空間に広がりをもたせ、運動の輪郭強調しています。尚、外壁がオレンジ色の経師が使われているのはベーコンのオマージュです。

[Performance] A performance with the acceleration sensor.

2005.5.5 | “Odorini ikuze!”Yamaguchi Center for Arts and Media [YCAM] Yamaguchi, JAPN

ダンサーの右腕には加速度センサーが取り付けられ、X、Y、Z 軸があり、加速度センサーによて9種類のサンプリング音源を演奏されます。
ダンサーは天井に設置されたカメラで、オペレーターによるリボンの動きを、舞台前に設置されたモニターでを見ながら、その動きからダンスをその場で創作します。
パフォーマンスの制限時間を告知するために、ステージ上でハンバーグを電子レンジで調理します。15分ほど煮て焦げます。ダンサーの体が過熱されたことを象徴的に表現しています。

The dancer’s right arm is equipped with an accelerometer, allowing for the performance of nine different sampling sound sources through the X, Y, and Z axes. The dancer, observed by a camera installed on the ceiling, improvises the dance movements by watching the operator’s ribbon movements displayed on a monitor placed in front of the stage. To announce the time limit of the performance, a hamburger is cooked in a microwave on the stage. It’s cooked for about 15 minutes until it burns, symbolically expressing the overheating of the dancer’s body.

[film] CRACKERS

CRACKERS
Construction: Richi Owaki
Costume Design: Minako Komatsu
Performance: Mina Kawai, Shina Ono, Richi Owaki, So Ozaki, Alessio Sivestrin
Recording: Takayuki Ito, Etsuko Nishimura
Cooperation: ASICS CORPORATION, G-tribe Corporation, remo [ recod,expessionandium-organization ], YCAM Inter Lab.

亀裂はどのように生れるのを考えた時、窓ガラスのひび割れのように、外からの衝撃によって、ガラスの分子を分断する形で亀裂が生れるなら、ダンスの場合、身体に走る直感によって走る亀裂だと考えられないでしょうか。 これを実証するために、ブロックパズルをモデルにして考えてみます。初めてさわるパズルなのに一歩完成に近づくと、すべるように出来上がってしまうことがあります。これはパズルが知らないうちに答えを教えてくれていて、答えに導かれるように組み立てていると考えられます。つまり、亀裂が避けやすい方に走るように、 パズルもまた答えに向かって走ると考えることができ、この現象は似ていると定義します。 パズルの答えが解ける、ということと、ダンスは同じとは言えませんが、体に制約を加えたとき、必要にせまられて動く体の動きは、亀裂が避けやすい方に走るの広い意味で同じと言えないでしょうか。 「形は記憶装置となって働き、その記憶は一瞬にして想起される」これ自体をダンスのスコア(記憶装置)にできるはずです。 この作品はそれを実証するための実験です。 Crackersには2種類のブロックが8個登場し、ダンサーはその周りで発生する亀裂であり、ブロックに導かれるままに踊り続けます.。

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[film] 鉛の匙 Spoon of lead

Hi8 / NTSC / 30mim / 1996
監督 : 大脇理智
音楽 : 難波陽平
衣装 : 小松美奈子
出演 : 大谷秀昭, 下田雪恵
協力 : 尾松亮, 永井一鉄

この映画はエドガー・アラン・ポーの「黒猫」をベースに、猫というシンボルを女性と読み替えることで、高校生当時の異性との出会いと不安をえがいている。また、ジャーマンの「ラスト・オブ。イングランド」やタルコフスキーの「ストーカー」、ベンダースの「ゴールキーパーの不安」の影響が見られる。タイトルは「銀の匙」からの引用。

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